BLOGBUSTER - cinema e musica
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Di seguito tutti gli interventi pubblicati sul sito, in ordine cronologico.
 
 
Di nilcoxp (del 20/10/2008 @ 05:00:00, in cinema, linkato 1041 volte)
Titolo originale
Fahrenheit 451
Produzione
Francia, Gran Bretagna 1966
Regia
François Truffaut
Interpreti
Cyril Cusack, Julie Christie, Anton Diffring, Oskar Werner, Alex Scott, Bee Duffel, Jeremy Spenser, Anne Bell.
Durata
112 minuti

Probabilmente non servirà a niente, ma è il mio piccolo contributo dato a tutti gli insegnanti che stanno combattendo per qualcosa che non riguarderà solo loro, ma tutta la società italiana e il futuro dei nostri figli. La scelta di questo titolo sembrerà anche troppo ovvia a chi conosce il film, per gli altri questo sarà un invito alla visione. Tempi duri in arrivo…

Baci scritti, letti e studiati per tutti.

nilcoxp

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Di Namor (del 16/10/2008 @ 05:00:00, in cinema, linkato 4717 volte)
Titolo originale
Avere vent'anni
Produzione
Italia 1978
Regia
Fernando Di Leo
Interpreti
Vittorio Caprioli, Gloria Guida, Lilli Carati, Ray Lovelock, Leopoldo Mastelloni, Fernando Cerulli, Daniele Vargas, Vincenzo Crocitti, Licinia Lentini, Giorgio Bracardi, Serena Bennato, Daniela Doria.
Durata
97 Minuti
Trailer

Siamo giovani, belle e incazzate

Con questo slogan, Tina (Lilli Carati) e Lia (Gloria Guida) due giovani e belle ragazze conosciutesi in spiaggia, non sapendo dove andare e cosa fare, decidono di unirsi per intraprendere insieme un viaggio in autostop alla volta di Roma. Arrivate alla meta però, non avendo denaro per il sostentamento, decidono di soggiornare in una comunità gestita da un abile intrallazzatore chiamato il Nazariota (Vittorio Caprioli). Nello stabile dove dimorano i più disparati personaggi, le ragazze avranno modo di sperimentare e manifestare la loro vocazione per la libertà e l’emancipazione giovanile. Una retata della polizia al centro di accoglienza però, metterà fine alla loro avventura. Tina e Lia dopo aver firmato il foglio di via, dovranno far ritorno alle loro città per non andare in galera, ma nel corso del viaggio, si imbattono, durante un’incauta sosta ad un bar-ristorante, in uno spietato branco, che porrà fine per sempre ed in maniera truce ai loro ideali sociali, ed alle loro giovani e spensierate vite.
Avere vent’anni” di Fernando di Leo, secondo me è stato erroneamente catalogato nel genere erotico. Questo film merita una considerazione maggiore da parte della critica, il fatto che la Carati e la Guida compaiono più volte senza veli, non vuol dire che la pellicola non abbia un suo valore sociale, tutt’altro, ne ha… eccome se ne ha…
Uno fra tutti, l’orrendo finale che vede il feroce branco porre indegnamente fine agli ideali di libertà delle due giovani ragazze, una conclusione che ancora adesso lascia atterrito lo spettatore, figurarsi nel 1978. Quando uscì per la prima volta nelle nostre sale cinematografiche, il film fu ritirato ed ampiamente censurato con vari tagli, decidendo addirittura di cambiare il tragico finale con un felice “happy end”, tale pratica fece perdere completamento senso al film, condizionandone pesantemente in negativo il bilancio degli introiti al botteghino.
Nel 2004 “Avere vent’anni” venne distribuito in dvd nella versione integrale, proprio come voleva il regista. Oggi questo film è ritenuto una piccolo cult dagli amanti del filone italiano anni 70. Le protagoniste sono nel fior fiore della loro giovinezza, vedere insieme la Carati e la Guida di quei tempi è un vero spettacolo per gli occhi, già ammirarle protagoniste in altri film era uno sbavamento continuo, figurarsi vederle contemporaneamente!
All’epoca consideravo Gloria Guida una venere inarrivabile, ma dopo aver visto questo film che la mette di fronte alla straordinaria bellezza di Lilli Carati mi sono dovuto ricredere, devo ammettere che Lilli era effettivamente di una bellezza stupefacente, ed é un vero peccato vero che si sia persa a causa dell’eroina. L’ho rivista a Luglio (dopo un lungo esilio dovuto alla sua disintossicazione) ospite su un programma della RAI e vi posso assicurare che nonostante il suo lungo passato da tossicodipendente, è ancora una bella donna, nonostante i suoi travagliati 52 anni.
Mi auguro di avervi invogliato a visionare questo titolo e che ottenga il giusto riconoscimento da parte del pubblico, che ingiustamente non ebbe allora.

Namor

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Di nilcoxp (del 13/10/2008 @ 05:00:00, in cinema, linkato 2412 volte)
Titolo originale
Dirty Rotten Scoundrels
Produzione
USA 1988
Regia
Frank Oz
Interpreti
Michael Caine, Steve Martin, Barbara Harris, Frances Conroy
Durata
110 minuti

Erano mesi che non decidevo di sacrificarmi a guardare la televisione, ma sabato sera, stanco e deluso, mi arresi alla grande scatola parlante (augh!). La storia vede due imbroglioni, uno di classe e uno più scapestrato, alle prese con truffe di vario genere a danno di ignare milionarie. Il film non comincia bene, anzi a stento ho superato i primi venti minuti, tanto da convincermi a cambiare canale. Il caso volle però che, disfatto sul mio divano, io non raggiungessi con la mano il telecomando. Così una volta che la trama volge alla parte centrale, ovvero quando i due protagonisti si sfidano su chi di loro trufferà per primo una malcapitata, la pellicola sale di livello e le situazioni cominciano a diventare esilaranti. La gara è il momento più bello del film, a cui va aggiunto un finale che regge bene. Vi devo dire però che ho visto un pessimo Steve Martin enfatizzare a dismisura tutte le situazioni del film, e ne sono rimasto deluso, avendone ricordi migliori. In conclusione, superata la prima mezz’ora, la pellicola merita per una serata in cui si volesse stare leggeri (questo è un discorso che vi avevo già fatto in altre recensioni) e/o si è talmente distrutti da non riuscire a cambiare canale. Baci falsi a tutti.

nilcoxp

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Di Louise-Elle (del 11/10/2008 @ 05:00:00, in libri, linkato 3336 volte)
Titolo originale
Ines del alma mia
Autore
Isabel Allende
Traduzione
Liverani Elena
Editore
Feltrinelli
Prima edizione
2006

Donne che raccontano altre donne. Questa volta Isabel Allende a differenza delle numerose protagoniste di fantasia dei suoi precedenti romanzi, narra le vicende di una figura storica femminile realmente esistita: Inés Suarez. L’autrice scrive questo libro in prima persona, calandosi nel personaggio di Inés anziana che affida le sue memorie a carta e calamaio per lasciarle in custodia a sua figlia adottiva Isabel e alla storia.
La bravura della scrittrice è davvero encomiabile in questo libro. Lei stessa afferma di aver impiegato quattro anni di avide letture di libri di storia, di leggende e di articoli per documentarsi e per elaborarne la narrazione leggermente romanzata. Le avventure, gli amori, le conquiste, le azioni di guerra, le perplessità, i pensieri, la disperazione di Inés, donna guerriera, ma anche molto femminile e sensuale, sono abilmente narrate in queste pagine e la fantasia del lettore può facilmente immaginarne l’ambientazione. La minuziosa descrizione e la semplicità dell’esposizione delle eroiche battaglie, delle lotte di potere, dei personaggi e dell’ambiente, appaiono agli occhi di chi legge quasi reali che sembra di assistere alla proiezione di un film.
Ines è di umili origini e nasce all’inizio del Cinquecento in Spagna in un piccolo paese dell’Estremadura.
E’ una donna forte, intraprendente e ribelle alla condizione femminile di allora che destinava la donna all’autorità del maschio e del Clero. Inés sposa giovanissima Juan de Malaga, un perfetto amante che la istruisce facendole conoscere le gioie del sesso e che presto l’abbandona per cercare fortuna nel Nuovo Mondo.
In cerca del marito s’imbarca per il Perù dove, dopo molte peripezie, incontra l’uomo di cui si innamora perdutamente Pedro de Valdivia, un seducente avventuriero spagnolo (un’ hidalgo) fuggito da un matrimonio frustrante e inappagante. Felicemente ricambiata parte con lui alla conquista del Cile. Insieme, con l’ausilio di un piccolissimo esercito e di indios peruviani, dopo aver superato molti ostacoli, foreste, deserti, le avversità di una terra sconosciuta ed inospitale, le ostilità e le battaglie contro le popolazioni indigene, la siccità, la carestia, fondano la città di Santiago. Inés è una donna moderna ed equilibrata che riconosce i pregi e i difetti, le ragioni e i torti della Spagna e degli Indios del Nuovo Mondo. Diventa Governatrice di Santiago al fianco di Pedro e si occupa dello sviluppo della città; la difende combattendo attivamente contro gli attacchi cruenti e feroci delle popolazioni native incattivite dal potere dei conquistadores spagnoli che uccidono, conquistano, violentano, schiavizzano, seviziano, torturano, derubano per sottometterli al potere della Corona spagnola e al loro Dio.
Inés trasmette i suoi ricordi più intimi di amante passionale ed esperta alla figlia Isabel. Consigli preziosi, necessari e fondamentali per un’intesa in una relazione amorosa che sfidano e condannano le imposizioni e le ristrettezze sull’argomento imposte dall’etica e dalla religione dell’epoca.
In seguito a giochi di potere e politici Pedro l’abbandonerà. Dopo un periodo di disperazione per l’incomprensibile perdita del suo amato ritroverà nuova felicità ed affetto a fianco di Rodrigo de Quiroga. Nonostante la separazione Inés, tramite altre persone, è informata delle vicissitudini di Pedro De Valdivia in qualità di Governatore, di militare e di uomo, percependolo ed immaginandolo, sia pur a distanza, anche nei momenti più tristi e tragici, a testimonianza dell’ amore profondo che li univa.
Quando inizio a leggere un libro, leggo la prima frase del primo capitolo e l’ultima frase dell’ultimo capitolo. E’un vizietto che solitamente è di buon auspicio per una piacevole lettura. Questa volta vi rendo partecipi di questa mia abitudine riproponendo solo la prima frase: “Sono Ines Suarez, suddita della leale città di Santiago della Nuova Estremadura, Regno del Cile, anno 1580 di Nostro Signore.”, non svelandovi l’ultima poiché significherebbe svelarvi in parte il finale. Concludo regalandovi un mio pensiero: vi auguro che la persona che amate si rivolga a voi teneramente e romanticamente come Pedro si rivolgeva a Inés definendola sempre e comunque: “Ines dell’anima mia”.
Buona lettura, anzi no, buona visione, poiché quando terminerete di leggere questo libro, vi sembrerà come leggere sullo schermo di una sala cinematografica al termine della proiezione di un film, la parola FINE.

Louise-Elle

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Di Namor (del 09/10/2008 @ 05:00:00, in cinema, linkato 1600 volte)
Titolo originale
Righteous Kill
Produzione
Usa 2008
Regia
Jon Avnet.
Interpreti
Al Pacino, Robert De Niro, 50 Cent, Carla Gugino, John Leguizamo, Donnie Wahlberg, Brian Dennehy, Dan Futterman, Trilby Glover, Rob Dyrdek.
Durata
100 Minuti
Trailer

Una lunga serie di omicidi, viene attribuita ad un serial killer giustizialista definito il poeta, in virtù delle poesie in rima che lascia accanto ai cadaveri per motivare il proprio gesto. Ad indagare sul risoluto giustiziere, vengono chiamati in causa i detective Turk ( Robert de Niro) e Rooster (Al Pacino). I due poliziotti prossimi alla pensione, vogliono far luce sul caso per poter chiudere in bellezza la loro trentennale carriera, ma non saranno i soli, nel contempo, un’altra coppia di detective decisamente più giovane indaga sugli omicidi. In un animato confronto di idee tra i quattro, spunta una ipotesi alquanto strana ma possibile, e se il colpevole fosse un poliziotto ? Col tempo l’intuizione diventa la pista più accreditata da seguire, gli indizi e le prove raccolte portano ad un solo nome, l’ambiguo ed irascibile detective Turk. Solo alla fine delle indagini sarà dato sapere se il killer seriale, è veramente lui, o se è stato incastrato da un insospettabile e scaltro collega.
Il regista Jon Avnet, recatosi da de Niro per proporgli il copione, una volta accettato, gli chiese quale attore volesse come partner, la risposta di Bob fu: Al. Dal canto suo Al Pacino vista la presenza di de Niro, non ha fatto certo fatica ad accettare, considerato che desiderava da tempo lavorare con lui. “Sfida senza regole” é il primo film in cui i due attori recitano insieme dall’inizio fino alla fine delle riprese.
Non conosco le reali motivazioni, ma sono sicuro di non essere il solo a pensare che è un vero peccato che questi due grandissimi attori, in passato non abbiano girato film insieme. Di certo, con una buona sceneggiatura avrebbero dato al cinema performance indimenticabili. Assemblare una coppia del genere dopo trent’anni di recitazione, non appaga di certo gli amanti del cinema, anzi diciamo pure che lascia l’amaro in bocca ai loro fans, soprattutto dopo averli visti recitare in questo film. Vedere insieme un Robert de Niro imbolsito ed un Al Pacino incartapecorito, mi fa veramente rabbia, ad ogni modo, se il film merita di essere visto è proprio grazie alla loro presenza. Ciò non toglie che ripeto, a me, che sono un loro grande estimatore, mi ha fatto veramente incazzare tutto sto spreco di tempo.

Namor

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Di slovo (del 06/10/2008 @ 05:00:00, in redazione, linkato 1075 volte)
image by slovo

"La vita appartiene ai viventi, e chi vive deve essere preparato ai cambiamenti".
Wolfgang Goethe

Sinceramente, vorremmo evitare di parafrasare lo slogan maccheronizzato da una sciacquetta qualche anno fa e tristemente entrato nel corredo culturale di migliaia di italioti. Meglio… citare i grandi pensatori del passato che, con intenti ben diversi dal promuovere un’azienda piuttosto che un’altra, incoraggiavano il cambiamento come strada da seguire a prescindere dal raggiungimento di un punto di arrivo, il rischio da correre per aspirare ad un evoluzione, ciò che inevitabilmente si arriva al punto di dover fare, per il semplice fatto di esistere in un universo che aborrisce la stasi.
L’esperienza del collettivo blogbuster sino ad oggi è stata gratificante e non parca di riscontri, nientemeno sta divenendo ormai impellente rispondere all’esigenza di tentare nuove forme di esistenza nella rete e sfuggire all’inevitabile circolo vizioso a cui il blog di recensioni quotidiane ci sta costringendo.
Abbiamo quindi attivato un forum, senza tradire le passioni che ci muovono da sempre gli argomenti saranno sempre il cinema, la musica, i libri… o per racchiudere tutto in un unico termine: cultura.
Il blog non sparirà, naturalmente, e verrà aggiornato con nuovi articoli anche se non potremmo più garantire la fitta cadenza di prima dal momento che l’attività principale si sposterà sul forum, che auspichiamo divenga un luogo di confronto e condivisione altrettanto seguito e frequentato.
Difettando, ebbene sì, di doti precognitive, non possiamo dire se l’idea funzionerà o meno… ci confortano le parole di Charles Darwin: “Non è la specie più forte a sopravvivere, nè la più intelligente, ma quella più pronta al cambiamento.”, il grande naturalista era convinto che i tentativi di diversificazione fossero l’unica strategia perseguibile per evolvere e questa è, pur nel nostro piccolo, la nostra velleità.
Invitiamo pertanto tutti coloro che già seguivano blogbuster a prendere visione del nuovo forum ed eventualmente a iscriversi e partecipare attivamente alle discussioni.
Vi aspettiamo!
A presto

collettivo blogbuster

"L'evoluzione è molto più importante che il vivere."
Ernst Jünger

“change Getter !!”
Ryo Nagare

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Di slovo (del 04/10/2008 @ 05:00:00, in cinema, linkato 1362 volte)
Titolo originale
Hard Candy
Produzione
USA 2005
Regia
David Slade
Interpreti
Patrick Wilson, Ellen Page, Sandra Oh, Jennifer Holmes
Durata
103 minuti

Una sessione di chat alle battute finali poi l’incontro in un locale. Lui è un trentenne cordiale e istruito, lei un’adolescente dall’aria fin troppo innocente per l’intraprendenza che talvolta lascia trasparire…
La caratteristica che domina il film è l’immobilità che circonda i due protagonisti. Come lo sfondo di una fotografia deliberatamente lasciato fuori fuoco per evidenziare i soggetti, per meglio cogliere i dettagli e il progressivo mutamento dei ruoli. Rimanendo oltre le parti il film non prende posizioni, piuttosto le estremizza, esaspera la situazione.
Non c’è solo la riscossa, è un ribaltamento più travolgente: Il bruto diventa vittima impotente, schiacciato dalla glaciale e folle risolutezza della sua ‘preda’.
L’intenzione era chiaramente quella di confondere, di mescolare le posizioni, non solo quelle di Jeff e Hayley ma soprattutto il modo in cui lo spettatore si relazionerà ad essi: il mostro e l’angioletto vendicatore. Il regista gioca, creando questa situazione paradossale, a far rimbalzare le prospettive da una parte all’altra. Lui messo nel sacco, umiliato e annichilito sotto ogni aspetto: è giustizia, è rivalsa nei confronti del peggior tipo di criminale, no? eppure ci sono momenti in cui vorremmo vedere Jeff sciogliere le corde e far attraversare una finestra a quella testolina…
“ragazzina? si... scherzo? no!” in questa connivenza di opposti la natura terrificante di Hayley, una quattordicenne di cui scorgiamo solo la selettiva follia, che occulta il suo passato e le motivazioni che la muovono (ex-vittima o autoproclamata paladina della causa?) e che di contro, passa Jeff letteralmente al setaccio mettendo a nudo ogni suo più sordido segreto.
E tutto finisce senza morale e senza risposte. Jeff ha avuto solo ciò che si meritava? Ma nel perseguimento della sua missione Hayley non è forse divenuta un mostro ancor più terribile? Il messaggio, forse, è che la soluzione estrema e sommaria non è una soluzione.
Disturbante... ma arriverete ai titoli di coda... svuotati.

slovo

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Di Sansimone (del 03/10/2008 @ 07:00:00, in cinema, linkato 976 volte)
Titolo originale
The Agronomist
Produzione
USA 2003
Regia
Jonathan Demme
Interpreti
 
Durata
90 minuti

Questo documentario di Jonathan Demme tratta la storia di Jean Dominique, agronomo haitiano proprietario di una radio che diventa egli stesso giornalista. In breve Radio Haiti diventa la voce della protesta del popolo, è l’unica radio dell’isola a trasmettere in creolo, per questo viene osteggiata dal regime di “papà Doc” prima e del figlio dopo.
Durante gli anni 70 con Carter alla presidenza USA tuttavia Jean Dominique e il suo staff riescono a rimanere aperti e continuare il proprio lavoro d’informazione ma, subito dopo l’elezione del repubblicano Regan e il conseguente allentamento della pressione USA sul regime per i diritti umani, la radio viene chiusa e Jean Dominique e su moglie fuggono a New York. Al ritorno in patria li attendono 60.000 persone per incitarlo ancora nella propria battaglia.
Jean Dominique, dovrà fuggire e riaprire la sua radio diverse volte fino all’aprile del 2000 quando fu assassinato davanti alla sua radio diventando un simbolo per il popolo di Haiti.
Avevo visto questo documentario un paio di anni fa al cineforum, l’ho rivisto in dvd e nel rivederlo l’ho ritrovato ancora pieno di emozioni.
Costruito con interviste intervallate da filmati originali il documentario si basa per intero sulla capacità di Jean Dominique di tenerti attaccato allo schermo nel vero senso della parola, con le sue mimiche facciali la sua gestualità a reggere tutto il lavoro del regista.
Lo consiglio vivamente a tutti di vederlo anche perché si può intravedere come si può trasformare una democrazia in un regime quando al popolo viene cancellata la libertà, sia essa fisica o solo intellettuale.


    SanSimone

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Di Namor (del 02/10/2008 @ 05:00:00, in libri, linkato 1613 volte)
Titolo originale
The Last Assasin
Autore
Barry Eisler
Traduzione
Gianni Pannofino
Editore
Garzanti
Prima edizione
2008

A volte, la distanza tra il desiderio di lasciarsi tutto alle spalle e la certezza che ciò si relizzi e irraggiungibile, soprattutto se la professione di chi ambisce a questo forte desiderio, è quella di uno dei più bravi e letali killer esistenti al mondo. E questo, John Rain il professionista in questione, lo sa bene, o meglio lo sapeva fino a quel fatidico momento in cui scoprì di essere padre. Una presunta verità che metterà in forte discussione il suo futuro e alimenterà l’incertezza sul proseguo della sua vita, ormai mutata per sempre. Dopo aver rintracciato la sua ex fidanzata Midori e accertata la sua paternità, in Rain si fa largo un forte sentimento paterno che lo invoglierà ad abbandonare la sua pericolosa professione, per dedicarsi anima e corpo al piccolo nascituro. Ma ad ostacolare le sue nobili intenzioni, c’é una lunga lista di nemici che lo vogliono morto, in primis il potente capo della Yakuza, Yamaoto, il quale per riuscire nel suo intento, ha addirittura stretto un patto di alleanza con le pericolosi Triadi Cinesi. Ma un altro nemico, si cela nell’anima di John, un rivale duro da sconfiggere e di gran lunga il più arduo di tutti da abbattere, poiché non si tratta di un nemico fisico, ma del risentimento mai sopito di Midori verso di lui, verso quell’uomo che è il padre di suo figlio, verso quell’uomo con cui ebbe un tormentato rapporto di amore ed odio, verso quell’uomo che un giorno .... uccise suo padre!
Barry Eisler l’autore del romanzo “La Furia del Samurai”, è un avvocato esperto sia di arti marziali che di cultura Giapponese, nel suo curriculum vengono evidenziati anche tre anni di servizio nella CIA. La sua esperienza lavorativa nell’agenzia e la sua totale passione per il sol levante, fanno da solidi cardini per la trama e le ambientazioni di questa avvincente avventura.
Premetto che il libro non è certo un capolavoro, ma non opterei neanche per il contrario, mi ha fatto comunque piacere leggerlo, quindi non posso fare altro che consigliarvelo, ed augurarvi una buona lettura.
Quest’opera mi è stata regalata da una persona, che voglio pubblicamente ringraziare, non solo per l’omaggio gradito, ma anche è soprattutto, per il suo fondamentale e paziente apporto alle mie modeste recensioni.

La mia compagna di vita Simona…

Namor

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Di Darth (del 01/10/2008 @ 05:00:00, in cinema, linkato 3958 volte)
Titolo originale
Stara Basn Kiedy slonce bylo bogiem
Produzione
Polonia, 2003
Regia
Jerzy Hoffman
Interpreti
Michal Zebrowski, Malgorzata Foremniak, Daniel Olbrychski, Bogdan Stupka, Marina Aleksandrova
Durata
103 minuti
Trailer

Stara Basn è un film a metà tra lo storico e il mitologico: la trama si svolge nel IX secolo quando in Polonia erano ancora pagani, adoravano il sole ed il popolo era diviso in tante tribù. Il principe reggente Popiel era lo stereotipo del pessimo sovrano: egoista, spietato e sanguinario, fino al punto di, per prolungare il suo insediamento, uccidere i due nipoti (eredi al trono al loro imminente compimento dei diciott’anni) e tutti i consiglieri di palazzo. Quando la notizia della barbarie commessa da Popiel arrivò ai contadini, i capi-tribù si riunirono in assemblea e decisero di ribellarsi al proprio monarca ma, il sovrano, saputo le mosse dei plebei, chiamò in aiuto i vicini Vichinghi…
Jerzy Hoffman, il più quotato regista polacco, dirige questa produzione record (da oltre 10 milioni di dollari), con i migliori attori su piazza e con alle spalle il clamoroso successo del film “Ogniem i mieczem” (1999), che narrava la guerra tra Polonia e Ucraina del XVII secolo.
“Stara Basn” ha parecchi lati positivi: curata ed interessante l’ambientazione storico/religiosa con i polacchi che inneggiano al Dio Sole e i Vichinghi al loro Odino ed i loro rispettivi rituali pagani; belli i costumi; piacevole la trama alla “Braveheart”; e particolare il maggior quantitativo di splatter delle ‘regole’ hollywoodiane in questa tipologia di film (qui il sangue schizza e le teste vengono tagliate senza stacchi di camera). Meno positivi gli attori, davvero scarsi, soprattutto l’eroe Michal Zebrowski, sembra il classico “Raul Bova”: tutto aspetto e poco talento; pessima la regia: dannatamente televisiva; bocciate anche le cadute nel fantastico come il crollo del castello voluto dal Dio Sole.
Tutto sommato, Stara Basn è un film sufficiente, consigliato agli appassionati di film epici; peccato però, perchè probabilmente, se lo realizzavano con meno ricerca del kolossal e con più cura per gli attori, poteva uscire davvero un gioiellino dalla (cinematograficamente) sconosciuta Polonia.

Darth

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Di kiriku (del 30/09/2008 @ 05:00:01, in Musica, linkato 1278 volte)
Artista
Perigeo
Titolo
Azimut
Anno
1972
Label
RCA

I Perigeo nascono nel 1971 dal progetto musicale del contrabassista Giovanni Tommaso che forma un quintetto mettendo insieme altri quattro grandi jazzisti Italiani: Bruno Biriaco, Franco D’Andrea, Claudio Fasoli e Tony Sidney i quali vantano collaborazioni con Chet Baker, Sonny Rollins e Gato Barbieri. Come gruppo invece aprono i concerti dei Soft Machine e dei Weather Report. Il loro stile infatti si avvicina molto al rock-jazz di questi due grandi gruppi e di conseguenza al sound elettrico di "Bitches Brew" di Miles Davis. Nel 1972, all’uscita del loro primo disco Azimut, come spesso accade in questi casi, non mancano le critiche dei puristi del jazz i quali li accusano di aver corrotto entrambi gli stili, ma la qualità espressa dalla band e tale da superare le “avversità” dandogli un successo meritato. In questo primo lavoro già si possono assaporare le potenzialità di questa band e il loro stile innovativo che vede in primo piano le splendide sonorità del piano Fender di D’Andrea che si fondono con i virtuosismi psichedelici della chitarra di Sidney, con il sax decisamente jazz di  Fasoli e con la ritmica firmata dallo strepitoso contrabbasso di Tommaso e dalla incredibile batteria di Biriaco. Anche se non si può definire un vero e proprio capolavoro e nonostante i lavori successivi siano più maturi ed elaborati e di conseguenza di qualità superiore, Azimut rimane comunque un grande disco che tutti dovrebbero avere nella propria discoteca, una pietra miliare nel panorama musicale italiano, un album che ha rotto gli schemi ed ha indicato la strada per le generazioni a venire, ricordandoci che, in Italia, in quegl’anni il livello musicale suonato era davvero alto. Imperdibile!

kiriku

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Di nilcoxp (del 29/09/2008 @ 05:00:00, in cinema, linkato 3560 volte)
Titolo originale
Breaking the Waves
Produzione
Danimarca 1996
Regia
Lars von Trier
Interpreti
Katrin Cartlidge, Stellan Skarsgård, Emily Watson, Jean-Marc Barr, Udo Kier
Durata
158 minuti
Trailer

Pubblicato il 13 Marzo 1995 a Copenaghen, e distribuito in occasione della tavola rotonda “Il cinema verso il suo secondo secolo di vita”, Il “VOTO DI CASTITA’” rappresenta l’impegno preso da un gruppo di registi (Lars Von Trier e Thomas Vinterberg su tutti) di seguire una serie di regole espresse in “Dogma 95”. Di seguito riporto il testo di tale giuramento:

"Io giuro di sottostare al seguente elenco di regole elaborate e confermate dal DOGMA 95": 1. Le riprese vanno girate sulle location. Non devono essere portate scenografie ed oggetti di scena (Se esistono delle necessità specifiche per la storia, va scelta una location adeguata alle esigenze). 2. Il suono non deve mai essere prodotto a parte dalle immagini e viceversa. (La musica non deve essere usata a meno che non sia presente quando il film venga girato). 3. La macchina da presa deve essere portata a mano. Ogni movimento o immobilità ottenibile con le riprese a mano è permesso. (Il film non deve svolgersi davanti alla macchina da presa; le riprese devono essere girate dove il film si svolge). 4. Il film deve essere a colori. Luci speciali non sono permesse. (Se c'è troppa poca luce per l'esposizione della scena, la scena va tagliata o si può fissare una sola luce alla telecamera stessa). 5. Lavori ottici e filtri non sono permessi. 6. Il film non deve contenere azione superficiale. (Omicidi, armi, etc. non devono accadere). 7. L'alienazione temporale e geografica non è permessa. (Questo per dire che il film ha luogo qui ed ora). 8. Non sono accettabili film di genere. 9. L'opera finale va trasferita su pellicola Academy 35mm, con il formato 4:3, non widescreen. (Originariamente si richiedeva di girare direttamente in Academy 35mm, ma la regola è stata cambiata per facilitare le produzioni a basso costo). 10. Il regista non deve essere accreditato. Inoltre giuro come regista di astenermi dal gusto personale! Non sono più un'artista. Giuro di astenermi dal creare un "lavoro", perché considero l'istante più importante del complesso. Il mio obiettivo supremo è di trarre fuori la verità dai miei personaggi e dalle mie ambientazioni. Io giuro di far ciò con tutti i mezzi possibili ed al costo di ogni buon gusto ed ogni considerazione estetica. Così io esprimo il mio VOTO DI CASTITÀ." Copenaghen, lunedì 13 marzo 1995 A nome del DOGMA 95 Lars von Trier, Thomas Vinterberg.

 Non ho intenzione di parlare del film, perché esso rappresenta l’applicazione quasi integrale di tali regole (anzi mi piacerebbe sapere da voi quando nel film non le ha seguite), e quindi segnando un passaggio storico del cinema da una forma ad un’altra va necessariamente visto da chi si ritenga un appassionato di tale forma culturale d’intrattenimento. Baci dogmatici a tutti.

nilcoxp

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Di Andy (del 27/09/2008 @ 05:00:00, in musica, linkato 841 volte)
Artista
Negramaro
Titolo
La Finestra
Anno
2007
Label
Sugar Music/Universal

Non è che non conoscessi i Negramaro, perché avevo già apprezzato vari singoli precedenti come “Estate”, “Nuvole e lenzuola”, “Solo 3 minuti”, tutti tratti dal precedente cd ”Mentre tutto scorre”, ma poi li avevo persi di vista giudicandoli un gruppo troppo “giovane” per i miei gusti e valido solo per vincere, al limite, un’edizione di un Festivalbar, cosa che hanno fatto puntualmente nel 2007 grazie appunto a “La finestra”, album che sto ascoltando da un mesetto in qua. Questo lavoro si compone di 14 nuove canzoni tra cui gli stra-sentiti singoli Parlami d’amore, L’immenso, Cade la pioggia, Via le mani dagli occhi, e, proprio di questi giorni, Un passo indietro, che secondo me è anche il pezzo più bello dell’intero disco che, rispetto al precedente, è più elettronico e rock, influenzato maggiormente dal sound di gruppi come R.H.C.P. e Radiohead ma direi un po’ impoverito nei testi; una scelta probabilmente commerciale, che comunque non toglie godibilità all’ascolto.
La registrazione è stata effettuata nei Plant Studios di S.Fransisco e arrangiamento e produzione portano la firma di Corrado Rustici, produttore e chitarrista dei primi dischi di Zucchero. L’album nel complesso suona molto bene, però sulla voce, peraltro ottima e particolare di Giuliano Sangiorgi, si sprecano le sovraincisioni e quindi, dal vivo, può succedere che qualcosa non torni , ma questo non intacca l’amore che nutrono le migliaia di fans per questa band seguitissima. E’ un disco, per certi versi, molto costruito come sonorità, però.. che dire?! il suono è moderno, potente, la voce altrettanto, i testi essenziali e abbastanza poetici e le canzoni rimangono anche impresse e orecchiabili. Oltre tutto ciò, il cantante si presenta anche come un buon front-man sul palco, emoziona e coinvolge; un po’ meno falsetto non guasterebbe e gli renderebbe più giustizia come cantante pop-rock. I pezzi che preferisco? Via le mani dagli occhi, un elettro-rock con andamento bass-drum sincopato con sferzate elettriche, ritornello accattivante e finale molto “aggressivo” e travolgente, schitarrato pesante, Cade la pioggia, ballata di grande atmosfera e con il finale rap fuori campo di Jovanotti, L’immenso, dove spadroneggiano le influenze Red Hot e, come già detto, Un passo indietro, altra ballata, molto acustica, suonata e cantata egregiamente col giusto sentimento. Il resto non mi appassiona più di tanto, ma ci sono comunque altre belle cose da sentire, come la partecipazione del coro di Santa Cecilia nel brano E ruberò per te la luna oppure Neanche il mare, stile cantautorato anni ’70.
Questi ragazzi di trent’anni hanno del buono, speriamo che la Sugar, major con cui hanno firmato da poco, non li commercializzi troppo e li lasci suonare con la freschezza e originalità dei primi dischi. I Negramaro sono: Giuliano Sangiorgi, voce, chitarra acustica e pianoforte, Lele Spedicato, chitarre elettriche, Ermanno Carlà , basso, Danilo Tasco, batteria, Andrea Mariano, piano e sinth, Andrea DeRocco, campionatori.. Buon ascolto !

Andy

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Di Sansimone (del 26/09/2008 @ 07:00:00, in cinema, linkato 1221 volte)
Titolo originale
Pranzo di ferragosto
Produzione
Italia 2008
Regia
Gianni Di Gregorio
Interpreti
Gianni Di Gregorio, Valeria de Franciscis, Alfonso Santagata, Marina Cacciotti, Maria Cali, Grazia Cesarini Sforza, Luigi Marchetti, Marcello Ottolenghi, Petre Rosu.
Durata
75 minuti

Quartiere Trastevere, vigilia di ferragosto, Gianni fa il suo solito giro del quartiere per fare la spesa per lui e la sua anziana mamma, al ritorno a casa trova l’amministratore del condominio a riscuotere i vari insoluti da pagare. Alfonso però per il pagamento delle spese condominiali gli propone uno scambio, lui gli abbuona quasi tutto in cambio Gianni dovrà tenergli la madre per i prossimi due giorni, la proposta viene accettata ma, al momento di presentarsi con la madre Alfonso gli lascia a casa anche la zia.
Come se non bastasse anche il suo amico dottore gli chiede di occuparsi della madre i quei due giorni a causa dell’impossibilità di trovare una badante per coprire il suo turno di notte.
Passato un primo giorno un po’ burrascoso tra le quattro signore scoppia una forte intesa sancita da un festoso pranzo di ferragosto.
Questo in sintesi è la storia di questa opera prima come regista di Gianni Di Gregorio, una storia leggera in cui qualcuno può vedere un degrado della nostra società ma, a mio vedere non è quello che il regista vuole comunicare. Io in questo delizioso film intravedo il non determinare a priori la fine di un’esistenza solo per un raggiungimento di un dato anagrafico ma, il continuo fiorire e mutare della vita i tutte le sue stagioni.
Il film è veramente ben fatto, aiutato in questo sia dalla scelta di una durata molto mini e dalla spontaneità delle quattro signore tutte attrici non professioniste che rendono a pieno nel film.


    SanSimone

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Di Namor (del 25/09/2008 @ 05:00:00, in Serie tv, linkato 3483 volte)
Titolo originale
Ryu no michi
Produzione
Giappone 1971
Episodi / Durata
22 / 30 Minuti

“Un milione di anni fa o forse due, c’era chi parlava al vento ed alle stelle…”
Questa frase, letta così, non vi dirà certamente nulla, ma provate a canticchiarla, sarà impossibile per chi ha seguito questa serie non ricordare la prima strofa di questa famosissima sigla finale (nonostante la sua esigua durata, appena 58 secondi) appartenente ad uno dei miei cartoni preferiti dell’epoca.
A cantarla allora era una giovanissima Giorgia Lepore, oggi nota doppiatrice ed attrice.
Ryu il ragazzo delle caverne”, era una serie composta da ventidue episodi, ambientata nel periodo preistorico, ove il protagonista Ryu un ragazzo dalla pelle chiara, intraprende un disperato viaggio alla ricerca della madre da cui, alla nascita, è stato separato, per essere offerto in sacrificio a Tirano, un gigantesco tirannosauro che semina morte e distruzione nei villaggi da lui scorti nel suo infinito tragitto. Durante il suo cammino, Ryu incontrerà personaggi brutalmente ostili, che renderanno ancora più arduo il suo compito. Il più pericoloso dei suoi nemici, è sicuramente Tirano ma non è il solo, a dargli filo da torcere fino alla fine sarà presente anche il crudele Taka, un ostinato guerriero che odia a dismisura Ryu, per il colore della sua pelle.
Tra i personaggi positivi incontrati nel lungo viaggio, la bellissima Ran è sicuramente un cardine fondamentale per la riuscita dell’impresa di Ryu, poiché è proprio grazie alle sue parole di conforto che alimenteranno in lui, di volta in volta, la speranza di ritrovare la madre viva. Il pestifero Dom (fratellino di Ran) con il suo cucciolo (non si sa bene di cosa) Prendidon, completano il gruppo che accompagna per tutta la serie Ryu.
Ricordo la prima volta che vidi l’episodio iniziale di questa affascinante serie animata, rimasi piacevolmente incantato per la sua ambientazione, considerato che era il primo cartone adattato all’epoca della pietra. Anche il protagonista, ben elaborato dal suo autore, mi piacque subito, con la sua triste vicenda era difficile non seguirne la sua evoluzione finale.
L’unica pecca che ho sempre evidenziato con gli amanti del genere, era la ripetizione delle scene durante lo svolgimento della trama, in troppi episodi le analogie sono eccessivamente similari, mi riferisco alle continue fughe dei protagonisti dalle tribù (quasi sempre tutte ostili) incontrate durante il loro lungo viaggio. Ad ogni modo questa esile lacuna non deve sviare, per chi ne ha, la voglia di vedere o rivedere le incessanti vicissitudini dell’eroico Ryu.

Namor

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