A New York, un gruppo di amici organizza un party di addio per un loro compagno in procinto di trasferirsi in Giappone. Un enorme boato udito durante lo svolgimento della serata, ne tacita il suo svolgimento, incuriositi da questo insolito avvenimento i partecipanti salgono sul tetto dello stabile per avere una visione più chiara di quello che sta succedendo. Nel mentre, una tremenda esplosione lancia detriti infuocati sulla città, dando il via ad un fuggi fuggi generale, una volta scesi in strada in preda al panico il gruppo assiste addirittura alla decapitazione della statua della libertà! Quello che inizialmente sembrava un terremoto, presto lascia spazio all’ipotesi di un attacco terroristico. A fugare definitivamente ogni dubbio sulla vera entità che minaccia New York, è l’immagine di una gigantesca coda di un rettile che si abbatte sul ponte di Brooklyn mandandolo in frantumi. L’artefice di tale sconquasso é un collerico mostro di dimensioni terrificanti, un incrocio tra Godzilla (per altezza) ed il mostro di Cthulhu (per fattezze), che si muove spaesato ed impaurito tra i grattacieli della città, sotto il continuo attacco dell’esercito. A documentare la cronaca di questa notte di terrore, ci pensa la telecamera consegnata in dotazione ad uno dei ragazzi (che porta sempre con sé durante la fuga) per filmare la serata d’addio del loro amico.
La realizzazione di “Cloverfield” è stata possibile grazie al lancio in Giappone di “M.I.III”, J.J.Abrams colui che allora si occupò della regia, entrando in un negozio di giocattoli insieme al figlio, rimase stupito dalla popolarità che godeva ancora Godzilla nel sol levante. Guardandolo, pensò a cosa avesse fatto lui durante un ipotetico attacco da parte del lucertolone radioattivo, ed é nata così l’idea di realizzare questo innovativo disaster-movie in chiave amatoriale. Le riprese sono state effettuate con videocamera a mano ad alta definizione e poi sporcate al computer per avere il massimo effetto amatoriale, il risultato ottenuto é sicuramente buono se non ottimo, difatti più di una persona é uscita dalla sala disturbata dalla girandola impazzita di immagini che proiettava il grande schermo. In effetti é stata dura anche per me abituarsi a questo nuovo tipo di visione, l’ho trovata troppo estrema e inutilmente continuativa, se togliamo le uniche immagini denominate “ad occhio di Dio” (le riprese aeree) usate per inquadrare per intero il mostro, il resto del film é tutto un concitato susseguirsi di immagini che ne disturbano la visione.
Il cast é composto da volti non eccessivamente famosi ed il motivo di tale decisione si rivela dopo la visione del film, ciò che la produzione ha risparmiato nell’assemblamento della troupe, lo ha speso negli effetti speciali, anche se non é facile giudicare, considerata la scelta adottata in merito alla realizzazione della pellicola.
Curiosa la scelta del titolo del film, in origine J.J.Abrams aveva pensato di intitolarlo “Greyshot”, prendendo spunto dal nome del ponte dove i due protagonisti del film si rifugiano durante la fuga, alla fine ha prevalso il nome di una strada “Cloverfield” situata nelle vicinanze del suo ufficio. In conclusione se siete sofferenti alle giostre, o ci andate mal volentieri per evitarne i postumi derivanti dalla nausea, questo film é consigliabile vederlo in dvd, proprio per evitare, come ho già detto, la vostra uscita anticipata dalla sala!

Namor

“ Effetti indesiderati. Gastrointestinali: gli eventi avversi più comunemente osservati sono di natura gastrointestinale. Possono verificarsi ulcere peptiche, perforazione o emorragia gastrointestinale, a volte fatale, in particolare….” Aspetta un attimo, ho letto bene? E si, c’è scritto proprio a volte fatale!!! Incredibile ho sempre assunto questo farmaco senza leggere mai attentamente le controindicazioni e adesso scopro che , anche se le possibilità sono sempre state molte remote, di aver rischiato la vita solo per alleviare uno fastidioso dolore cervicale. Sinceramente morire in modo così stupido mi darebbe proprio fastidio, preferirei a questo punto andarmene per una mia scelta personale e non per una frase non letta su un farmaco killer. Se mai un giorno decidessi di farla finita, beh sicuramente sceglierei il metodo usato nel film "La grande abbuffata" di Marco Ferreri. Quattro amici inseriti nella cosiddetta buona società, un ristoratore, un pilota di aerei, un magistrato e un produttore televisivo, stanchi di una vita ormai senza stimoli si rinchiudono in una villa per abbandonarsi senza limiti ai piaceri della gola e della carne fino all’autodistruzione. Tutta la pellicola è una critica a quella borghesia corrotta e amorale che fa del troppo il fine ultimo, avere tutto e a qualsiasi costo. I protagonisti, interpretati da attori di altissimo livello (Marcello Mastroianni, Ugo Tognazzi, Michel Piccoli, e Philippe Noiert),  sono appunto la grottesca caricatura di una società che ha perso la rotta ed è anche una lucida visione dell’isolamento individuale ed esistenziale dell’uomo contemporaneo. L’importante è avere , ostentare , produrre, oltrepassando i limiti senza poter più tornare indietro. Questa pellicola è del 1973 e mi sento di dire , senza fare della mera retorica, che le critiche mosse dal regista sono più che mai attuali. Oggi, è sotto gli occhi tutti , l’importante è apparire, essere visibile e non importa a che prezzo, l’importante è credersi migliori , distinguersi dalla massa e per farlo, ad esempio, si ricorre ad una ricerca estetica che alla fine porta ad una altra vuota omologazione. Basta fare un giro in centro per vedere che tutti sono vestiti uguali e non solo gli adolescenti. Conosco persone che fanno fatica ad arrivare a fine mese ma si comprano auto che finiranno di pagare loro figli, e questo solo, per ostentare una ricchezza materiale inesistente. Questi anche se sono solo alcuni degli esempi più evidenti, sono la cartina tornasole di una società che si basa sull’insicurezza e sulla povertà spirituale. La grande abbuffata è un po’ la rappresentazione spietata ma ben riuscita di tutto questo , una commedia drammatica che spazia dall’humor nero, alla satira e per finire al grottesco . Non so se è per colpa del medicinale o dei pensieri che il farmaco mi ha fatto venire , ma mi è venuta una secchezza delle fauci non indifferente, prima che sia troppo tardi scappo a casa a mangiare e a fare all’ammore !!!

Kiriku

Se Cristo si presentasse a noi saremo in grado di credergli sulla parola? Perché poi si presenterebbe ad uno di noi?
Queste domande se le pone anche Alessandro, quando durante un viaggio in terra santa incontra Gesù sulla strada che da Gerusalemme porta ad Emmaus. Come credo la maggior parte di noi Alessandro non crede subito di trovarsi davanti a Dio, ma, dopo alcuni segni inizia a crederci e la domanda ricorrente diventa” perché hai cercato proprio me?”.
Nel film una risposta a questa domanda c’è, ma, quello che in realtà non si capisce è il motivo per il quale dopo 2000 anni dall’ultima sua presenza Cristo ritorna sulla Terra ma, non in mezzo agli uomini, ma solo da un uomo. Forse perché questi è un pubblicitario o forse è solamente che noi umani non possiamo comprendere i veri disegni di Dio.
Avevo sentito molto parlare di questo film, purtroppo a causa delle scelte di chi gestisce le sale cinematografiche della mia città ho dovuto aspettare che uscisse in dvd per riuscire a vederlo. L’attesa in ogni modo non è stata vana, ho trovato il film molto bello sotto molti aspetti, l’unico che mi ha lasciato perplesso è proprio il motivo di questa presenza reale di Gesù.
Il film è tratto dall’omonimo romanzo di Pino Farinotti, e racconta le vicende di Alessandro, un pubblicitario quarantenne in crisi esistenziale che trova casualmente un biglietto aereo per Gerusalemme e decide di partire. Qui incontra un uomo che dice d’essere Gesù e da quel momento fino al suo ritorno in Italia per lui è un continuo dialogare con Dio e ricordare passaggi della sua vita.
Luca Ward è bravissimo nel ruolo del pubblicitario quarantenne deluso e in crisi sia nella vita privata sia in quella lavorativa, lo stesso vale per Alessandro Etrusco nel ruolo non semplice di Cristo. Il regista anche è molto bravo nell’imprimere il giusto ritmo al film utilizzando il flash back, anche se alla fine del film accelera un po’ troppo per riuscire a chiudere tutte le storie, quando volendo poteva lasciarne alcune aperte.

SanSimone

Il silenzioso Frank Lucas (Denzel Washington) osserva e assimila le due caratteristiche principali che hanno reso il suo capo Bumpy Johnson, il più temuto e benvoluto boss di Harlem, la sua efferata spietatezza risolutiva con chi sgarra e la sua immensa generosità verso gli sfortunati del quartiere. Ed é con questi due inappellabili dogmi, che Frank, dopo la morte del suo mentore, si introduce nel mondo della malavita fino a divenirne lui stesso uno dei più potenti e prolifici boss dell’intero stato.
Agli inizi degli anni 70, negli Stati Uniti, l’eroina era nella sua massima fase di espansione e con lei anche la corruzione nella polizia, la quale attingeva a piene mani nel mercato della polvere bianca. Per imporsi nel traffico e lo spaccio di droga, che in quel tempo pullulava ad ogni angolo della strada di Harlem, il neo boss doveva fornire un prodotto migliore e a basso costo rispetto a quello che abitualmente circolava. Per fare ciò, occorreva abbassare i costi ed é per questo, che ebbe l’intuizione che lo rese in breve tempo il più ricco e potente criminale degli USA, quella di eliminare gli intermediari ed andare personalmente in Thailandia per comprare direttamente dal produttore!
A porre fine al suo incontrastato dominio, ci pensa l’integerrimo agente di polizia Richie Roberts (Russel Crowe), personaggio emarginato proprio grazie a questa sua virtù, etichettato dai suoi colleghi come spione per aver consegnato in centrale un milione di dollari puliti di proprietà della mafia, uno dei pochi poliziotti che in quel periodo rifiutava mazzette, in pratica, un serio pericolo per tutto il sistema di corruzione in voga all’interno del dipartimento di polizia.
Inizialmente le riprese di “American Gangster”, dovevano avvenire nel 2004 sotto la regia di Antoine Fuqua (Training Day), sempre con Washington nella parte di Lucas, ma l’allora casa di produzione fermò tutto.
A distanza di anni, dopo varie insistenze, il regista Ridley Scott acconsente a dirigere il film, includendo l’attore Neozelandese Russel Crowe.
A completare il variegato cast di attori che fanno parte del film, la scelta é caduta su Cuba Gooding, Yr.; Armand Assante; Chiwetel Ejiofor; Ruby Dee; il rapper Common e l’artista hip-hop T.I..
Il film é stato presentato in pompa magna come il nuovo “The Departed”, o addirittura come dice esagerando (e non poco) la locandina, epico ai livelli de “Il Padrino”.
Sinceramente la nuova opera di Scott, risulta un buon film ma non ai livelli di “The Departeid”, lo dimostra anche il fatto che “American Gangster”, sia rimasto fuori dai giochi per la corsa agli Oscar di quest’anno. Di epico che potrebbe accostarsi a “Il Padrino”, ha solo la durata, 157 minuti in alcuni casi sono veramente tanti, d’accordo che la pellicola narra una storia realmente accaduta, ma gli eventi che si svolgono durante il film potevano benissimo essere un po’ più concisi.
Ad ogni modo questa non vuole essere una bocciatura, anzi lo reputo un buon film, ma se fossi nelle vesti dei produttori ci andrei cauto con simili paragoni, evitando di creare inutili e dannose aspettative per chi si appresta a vederlo, fino a prova contraria la miglior pubblicità, é sempre stata il giudizio positivo del pubblico pagante!

Namor

L’amore ai tempi del colera Buio in sala….Silenzio….Inizia il film:
“un uomo anziano Florentino Ariza riposa accanto alla sua giovane amante quando le campane della Chiesa di Cartagena suonano a lutto annunciando la morte del medico Juvenal Urbino marito di Fermina Daza . Florentino si presenta a Fermina in questa triste occasione dichiarandosi con queste parole: “Sono trascorsi 51 anni, 9 mesi e 4 giorni e io ti amo come il primo giorno” Fermina disperata per la perdita del marito e indignata lo caccia con violenza.”
Questa è la scena iniziale del film tratto dall’omonimo romanzo di Gabriel Garcia Lorca che racconta l’infinita, quasi irreale e straziante storia d’amore tra Fiorentino Ariza e la bella Fermina Daza. La parte centrale del lungometraggio è in retrospettiva. Ambientato nella città di Cartagena dal 1879 si protrae fino agli anni 40. Florentino, un giovanissimo telegrafista (interpretato da Unax Ugalde) appassionato di poesia incontra lo sguardo di Fermina (Giovanna Mezzogiorno) e immediatamente è amore a prima vista. Un amore solo epistolare dove Florentino le esprime tutto il suo ardore e Lei ne rimane ammaliata. Il padre di Lei ambizioso desidera invece per la figlia un uomo con maggior potere a cui darla in sposa e così decide di portarla altrove separando per sempre i due innamorati. Passano gli anni. Il Paese ha due nemici: la Guerra Civile e il colera che mietono vittime e distruzione. Florentino (uno straordinario e magnifico Javier Bardem) disperato per la perdita dell’amata ha soltanto la madre vicino che lo consola amorevolmente. Nel frattempo ritorna Fermina che durante un incontro casuale demolisce le speranze d’amore di Florentino affermando che per lei l’amore è solo un’illusione. La sofferenza di Florentino è devastante e anche per la madre che gli sta accanto. Si assiste così allo scorrere delle due vite: da una parte Florentino inizia a lavorare presso la Compagnia Fluviale gestita dallo zio e riesce allo stesso tempo a dedicarsi alla poesia scrivendo lettere d’amore su commissione; dall’altra parte ritroviamo Fermina sposa dell’affascinante medico Juvenal Urbino (Benjamin Bratt) con il quale condividerà un sereno e spigoloso matrimonio. Florentino giura comunque a se stesso che aspetterà Fermina fino alla morte del marito. Durante questa attesa Florentino si concede molte storie d’amore con donne di ogni genere minuziosamente registrate in un diario fino al raggiungimento della modica cifra di 622 donne. Fra le tante una donna sposata, Olimpia gli ridonerà nuova vitalità, ma la sua tragica dipartita lo rimanderà ancora fra le braccia immaginarie e mai dimenticate di Fermina. Le scene degli incontri amorosi di Florentino e le vicissitudini del matrimonio di Fermina termineranno questa lunga retrospettiva fino alla scena iniziale del film con questa stupenda e quasi inverosimile dichiarazione d’amore: “Sono trascorsi 51 anni, 9 mesi e 4 giorni e io ti amo come il primo giorno”. Da qui la storia prosegue ancora più commovente, tenera e struggente da gustare fino all’ultimo fotogramma.
Ottima l’interpretazione di Giovanna Mezzogiorno sia nella parte di giovane donna sia di donna anziana, i truccatori a mio avviso le hanno riservato un trattamento speciale non evidenziando troppo con il trucco la maturità. La letteratura e il cinema ci hanno solitamente raccontato storie di personaggi femminili che si disperano aspettando eternamente il loro unico amore, quasi mai ci sono personaggi maschili. La commovente e magistrale interpretazione di Javier Bardem nei panni di Florentino Ariza uomo, a mio modestissimo parere è da Premio Oscar.
La colonna sonora è impreziosita da alcuni brani della pop-star Shakira amica e connazionale dello scrittore. Da non sottovalutare altri importanti protagonisti di questo film: la poesia, la scrittura, la corrispondenza, il telegrafo….i mezzi di allora che hanno permesso lo sviluppo di questa splendida storia d’amore.

Louise-elle

Quando un velo di malinconia vi si appoggerà sulle spalle in una giornata uggiosa, e quando finalmente il silenzio sembrerà essere diventato il padrone della vostra casa e vostro unico compagno, solo allora potrete vedere “Satantango”. Le prime due ore e mezza mi sono scivolate veloci appagando appieno i miei sensi affamati di buon cinema. Una parte centrale tra alti e bassi ma ancora positiva, ed una finale in evidente calo di qualità. Vero protagonista della pellicola è l’ambiente in cui si svolge il tutto: siamo nella campagna ungherese agli inizi della stagione delle piogge. Tutto è grigio, umido e fatiscente. Freddo, acqua e fango sembrano essere ovunque, perfino nelle anime dei protagonisti. Essi accarezzeranno per un po’ il miraggio di cambiar vita per mezzo di un grosso quantitativo di soldi, sogni comunque destinati a svanire sia per ignoranza che per codardia. Ma d’altronde quando si è impantanati nella melma dove si vuole andare? La fotografia raggiunge livelli così alti da paragonarla al “Vangelo secondo Matteo” di P.Pasolini (ovviamente con le dovute differenze legate all’argomento trattato): le immagini sembrano quadri che gratificano e a volte commuovono l’occhio dello spettatore più attento. L’inverno alle porte non è solo meteorologico, ma sembra essere anche della vita stessa che finisce. Peccato che il regista non riesca a mantenere questa intensità di emozioni per tutta la durata della pellicola, che come ho già detto, cala paurosamente nella parte finale (le ultime due ore circa). Forse una minore dilatazione dei minuti ne avrebbe giovato in contenuti. Comunque un gran bel lavoro, da non perdere assolutamente per gli amanti del cinema d’Autore. Baci alla vodka a tutti.

nilcoxp

Signorina Effe è l’ultimo film della regista Wilma Labate, dove l’effe del titolo sta per FIAT dato che la storia gira attorno alla casa automobilistica torinese.
Siamo nel 1980 a Torino, l’anno della grande protesta operaia che per quasi quaranta giorni bloccò le fabbriche della FIAT e con esse anche la città come era naturale. La lotta degli operai voleva opporsi al nuovo piano industriale che comprendeva licenziamenti per diverse migliaia di lavoratori, primi fra tutti ovviamente quelli più impegnati nel campo sindacale. Lo sciopero terminò negativamente dal punto di vista sindacale con la famosa marcia dei 40 mila, in altre parole i quadri e i dirigenti dell’azienda, che protestavano per riavere il diritto di lavorare.
Il film narra appunto le vicende di Sergio, operai alla catena di montaggio, e di Emma, giovane laureanda già inserita nei quadri amministrativi, durante i giorni dello sciopero. Nonostante la FIAT riesca nel tentativo di mettere contro la classe operaia e i colletti bianchi, tra i due protagonisti nasce una passione che porterà lei a ripensare a tutto il futuro che si era programmata e lui a lasciarla pensando di fargli del bene.
Purtroppo la pellicola rimane in bilico tra un documentario sociale e un film sentimentale con un problema sociale sullo sfondo, non si capisce bene se la regista è più interessata a descrivere la lotta tra operai e crumiri oppure alla favola della bella e il povero. Il film, a parte questo “particolare”, propone ottimi attori tra i quali Filippo Timi, perfetto nel ruolo di Sergio, e Valeria Solarino; propone inoltre, ed è questo secondo me il pregio di questa pellicola, lo spunto per andare ad informarsi su un periodo, quello dei primi anni 80, veramente importante per la storia dell’Italia, la fine delle grandi lotte sociali e l’inizio del riflusso.

SanSimone

All’epoca della sua militanza nei Beatles, John Lennon, fu ritenuto in assoluto il più intelligente dei quattro, per avvalorare tale affermazione sul suo innato intelletto e l’indiscusso talento, semmai c’è ne fosse bisogno, basti visionare questo bel documentario ideato dai registi David Leaf e John Scheinfeld dal titolo alquanto veritiero “USA contro John Lennon”.
Voglio precisare, che il documentario in questione si differenzia totalmente dai suoi innumerevoli predecessori, i quali, erano quasi tutti incentrati su questi tre temi basilari, gli inizi ed il conseguente proseguo della sua straordinaria carriera, la storia d’amore con Yoko Ono e per finire il fatidico 8 Dicembre 1980, data in cui la mano armata di un pazzoide, appostato sotto la sua residenza, fece esplodere quattro colpi di pistola mettendo fine alla sua vita.
Chi ha seguito il percorso artistico dell’ex Beatles sa, che ad un certo punto della sua vita si trasferì e visse per più di un decennio negli Stati Uniti d’America, dove ebbe molti problemi con le amministrazioni locali, a causa del suo pieno appoggio ai vari movimenti pacifisti che all’epoca protestavano per la guerra in Vietnam. In quel periodo Lennon allacciò amicizie con personaggi come, Bobby Seale il fondatore delle Pantere Nere, e gli attivisti radicali più influenti del momento come Jerry Rubin e Ebbie Hoffman, furono proprio i rapporti con questi personaggi di spicco nella lotta per la pace e i diritti dell’uomo, che gli causarono i molteplici problemi da parte dell’amministrazione Nixon, che vedevano in lui un pericoloso sovversivo da estradare al più presto. Per lui si mosse addirittura l’FBI, che lo mise sotto stretta sorveglianza cercando con ogni mezzo anche illegalmente, il cavillo giusto per rimpatriarlo come persona indesiderata.
In questo documentario vedrete immagini inedite di Lennon mai viste prima provenienti dalla stessa collezione privata di Yoko Ono, la quale, per la prima volta, le ha gentilmente messe a disposizione degli autori, non mancano anche aneddoti raccontati da lei stessa, c’è anche da dire che lei, per avvallare tale operazione ha voluto prima visionare il tutto ed avere l’ultima parola.
Visto l’ottimo risultato ottenuto da Leaf e Scheinfeld, non posso che essere d’accordo su questa forzata licenza accordatagli dai due autori.

"Di tutti i documentari che sono stati realizzati su John,
questo e quello che avrebbe amato di più.”