“Jarhead” è un termine gergale americano che significa Marines, ma letteralmente è composto da ‘jar’ (barattolo) e ‘head’ (testa). Voci di corridoio sono concorde che il soprannome sia stato creato per la natura del marine: una testa vuota facilmente riempibile di patriottismo da quattro soldi. In questo titolo, il film vi si rispecchia fedelmente, basando tutta la trama sulla vita dei marines fatta di scherzi, prese in giro e insulti, con una brama di violenza e di sangue impressionanti; e il fatto che quest'opera sia tratta dall’autobiografia del soldato Anthony Swofford (interpretato da Jake Gyllenhaal) non fa altro che alimentare la mia scarsa stima verso la mentalità guerrafondaia statunitense. Ci sono scene dove i soldati si esaltano all’inverosimile guardando il momento epico di Apocalypse Now (con gli elicotteri in volo e la Cavalcata delle Valchirie di Wagner come colonna sonora), per poi sfociare quella voglia di violenza tra di loro; scene dove arrivano a puntarsi l’un l’altro fucili carichi per una diatriba di poco conto; altre dove supplicano i propri superiori di autorizzare l’intervento armato in territorio ostile… il tutto accompagnato da uno ‘slang’ che, guardando il film in lingua originale, è impressionante: 278 volte viene declamata la parola ‘fuck’ di cui 38 volte accompagnata da ‘mother’. Tutta questa volgarità, dialettica e mimica, è il pregio-difetto di questa pellicola: pregio perché ho molto apprezzato il tentativo di girare un film apolitico, basato sulla ricostruzione della vita dei marines durante la guerra del golfo, senza soffermarsi sui motivi del conflitto; difetto perché quest’eccesso di volgarità e di luoghi comuni fa apparire i personaggi un po’grotteschi, diminuendo così l’effetto documentaristico dell’opera. Molto bella la colonna sonora, piena di pezzi importanti, anche se in certi momenti un po’ fuori luogo; é davvero impressionante la ricostruzione del deserto del Kuwait con i pozzi petroliferi in fiamme: il cielo è coperto, piove petrolio e il buio è infranto solo da colonne di fuoco. Meno bella, invece, la mancanza di azione che accompagna tutto il film e la parte iniziale, che sembra il remake del mitico “Full metal jacket” di Kubrik, con gli stessi dialoghi da caserma e perfino le stesse canzoncine da allenamento! Per concludere, è un’opera con alla base un' idea intelligente, realizzata decentemente… ma si poteva fare di meglio… eccome se si poteva...

Darth

Su consiglio di un caro amico ho affittato “Old boy” di “Park Chan-wook”, un film ispirato ad un famoso manga giapponese e che si colloca in quella che il regista stesso definisce “la trilogia della vendetta”. Nelle tre opere in questione, “Sympathy for Mr. Vengeance ” ( Mr. vendetta), “Old boy” e “Sympathy for Lady Vengeance” (Lady vendetta), egli affronta il tema attraverso tre storie che in comune hanno la rabbia e la degradazione della psiche umana sopraffatta da uno spirito di vendetta fine a se stesso. Un istinto che a volte è inevitabile ma che non da sollievo e soprattutto non risana i traumi subiti. È proprio questo che affascina il regista: “Chi si vendica è consapevole del fatto che la sua vendetta non porterà a nulla, ma non è capace di fermarsi. Questa vacuità dell'azione con il dispendio di molte energie è un tema che mi affascina molto dal punto di vista psicologico”. La prima cosa che mi ha colpito del film e sicuramente la trama. Oh Dae-Soo viene drogato e rapito in mezzo alla strada e rinchiuso in una stanza-prigione per quindici anni senza nessuna giustificazione. L’unico contatto con l’esterno è una televisione sempre accesa, dalla quale viene a sapere di essere stato incolpato dell’omicidio della moglie. Passa il suo tempo ad escogitare la fuga e ad allenarsi prendendo a pugni il muro con un unico pensiero in testa; vendicarsi di chi lo ha rinchiuso senza alcuna spiegazione e senza nessun apparente motivo. Allo scadere del quindicesimo anno viene drogato e abbandonato sul tetto di un edificio. Da qui comincia la ricerca di colui che lo ha privato della libertà e dell’affetto dei suoi cari, per farlo deve scavare nel suo passato. Presto però si rende conto di non essere ancora libero e che la realtà è soltanto una prigione più grande. Forse verso il finale la sceneggiatura perde un po’ di qualità, ma tutto sommato rimane un bel film. Pregevoli alcune inquadrature stile fumetto giapponese, non male anche il piano sequenza dove lui affronta una trentina di avversari con un martello in mano e divertente la scena della formica gigante sulla metropolitana. Il film è stato criticato da alcuni per un eccesso di violenza gratuita e senza senso, tanto da rasentare la pornografia visiva ed è stato accusato anche di ricordare un pò troppo il cinema di “Tarantino”. È vero, molte scene possono risultare forti ed estremamente violente, ma sicuramente sono coerenti con il contesto e con l’intento del regista di mostrare quanto il sentimento di vendetta possa stravolgere i fragili equilibri mentali che caratterizzano la così detta normalità. Il fatto che abbia ricevuto il “Gran Premio della Giuria" al festival di Cannes vorrà pur dir qualcosa. Non credo lo abbia vinto, come alcuni sostengono, solo perché il presidente di giuria era appunto Tarantino. L’unico modo di verificare se questo è o non è un bel film è quello di vederlo, quindi non mi rimane che augurarvi una buona visione.

Kiriku

Un film di forte impatto emotivo, almeno per il sottoscritto, che pur parlando di una guerra terribile per modalità e cause (ma non esistono guerre non terribili), riesce a non scadere in immagini gratuite di violenza e mutilazioni che nulla aggiungerebbero in più. Basato sulla storia vera di Paul Rusesabagina, persona che salvò ai tempi di questa guerra un migliaio circa di persone Tutsi da morte sicura. Credo che persone che compiano gesti così importanti vadano elogiate in più modi possibili, e questo film è un elogio a questa persona con l’aggiunta di essere anche un documento sui fatti accaduti in Rwanda, e insieme una denuncia nei confronti delle civiltà “evolute” che prima combinano i guai sfruttando le situazioni e le persone, e poi le abbandonano a se stesse e alla loro fine tragica (guerra o fame che sia). Gli atti di accusa contro le guerre, contro tutte le guerre sono sempre i benvenuti. Grazie Terry Gorge. Da vedere. Adesso vado… ho bisogno di un po’ d’amore… dopo tutto quest’odio…alla prossima ciao.

nilcoxp

“Che cos’è un fantasma?” Con questo quesito inizia la narrazione della storia… Siamo verso la fine della guerra civile spagnola e Carlos, rimasto privo di padre, viene affidato ad un orfanotrofio già popolato di molti bambini anche loro orfani di repubblicani. Lo stabile, nel cui cortile fa bella mostra un ordigno inesploso, è presieduto da Carmen con il supporto di Casares (docente di scienze), Jacinto (il custode tuttofare) e la sua compagna Conchita… ma gli adulti, in questo film, non sono come sembrano... Casares spiega a Carlos il significato della spina del diavolo (una vecchia superstizione dove si dice che la spina dorsale biforcuta dei feti significasse che il bambino non dovesse mai nascere, mentre invece voleva significare povertà e malnutrizione) mostrandogli la sua collezione di feti ‘biforcuti’ che vende come elisir a qualche credulone. La direttrice, con una protesi di legno, dal canto suo ha una relazione nascosta con Jacinto, ma l’intento di lui è quello di trovare, durante le loro effusioni, la chiave della cassaforte dove lei custodisce l’oro. Pensavo, vi dico la verità, di andare a vedere il classico horror visto il titolo… invece ho visto un buon film con colpi di scena, intrighi, commozione e cattiveria tutti ben miscelati tra loro. Molto bravi gli adulti nel film: Noriega nel ruolo del custode, Marisa Paredes la direttrice e Federico Luppi il professore di scienze; perciò un consiglio: non soffermatevi sul titolo del film ma guardatelo. L’unica cosa che mi sfugge è il motivo della tardiva distribuzione del film (datato 2001)… Se qualcuno avesse notizie a riguardo… me le comunichi!

ninin

“non è un film su Andrea Pazienza, è un film rigorosamente tratto dai fumetti di Andrea Pazienza”, tiene a puntualizzare il regista Renato De Maria. Eppure, a ben vedere, questa precisazione non è essenziale: non c’è modo migliore per dipingere Andrea Pazienza, le sue visioni, le sue psicosi, il suo modo di essere, che partire dai suoi fumetti, da quei personaggi a cui dava vita infondendovi parte di sé. In Paz! se ne sono scelti tre: Pentothal, Zanardi e Fiabeschi, le loro storie si dipanano durante l’arco di in una giornata che inizia alle 4 del mattino e finisce all’alba del giorno successivo, in un contesto storico riconducibile ai moti studenteschi del ’77 a Bologna.
“Paz!” (il giovane fumettista era solito firmarsi così) è per molti versi un tributo, una tacita dichiarazione d’amore da parte del regista (stato anche suo amico), quell’amore a cui Andrea ti costringe irrimediabilmente, per il solo essere entrati nel suo mondo.
La quasi totalità della sceneggiatura e dei dialoghi sono una precisa trasposizione dalle tavole, ci sono citazioni il cui dettaglio rasenta il maniacale, alcune apprezzabili solo dal collezionista completista… laddove il regista si è concesso più libertà di interpretazione è sulla figura di Enrico Fiabeschi, originariamente un personaggio minore apparso un'unica volta nella storia breve “giorno”. Il suo ruolo viene qui espanso e impiegato come una sorta di “ponte di accesso” tra l’universo creato da Andrea Pazienza, così ermetico e surreale, spietato e a tratti sgradevole, ed un pubblico che non necessariamente conosce le sue opere, sfruttando all’uopo la contagiosa ars comica del bravissimo Max Mazzotta.
E qui mi domando: è possibile riprodurre in pellicola la magia di A.P. senza limitarsi alla mera trasposizione? quel dirompente senso di alienazione, di allucinazione e smarrimento che i suoi disegni sapevano dare al pari di pochissimi altri? Forse non è possibile, o forse solo in parte, forse non si arriverà mai a decifrare completamente i segni di Andrea… il film di Renato De Maria ci riesce a tratti: il lavoro di ricostruzione degli ambienti è stato certosino e rievoca genuinamente il contesto storico e le situazioni contingenti; alcuni momenti sono resi particolarmente bene, come il monologo di Claudio Santamaria/Pentotal: “vivo su una lama, mi commuovo nei bassifondi…” condotto da una musica ipnotica e un girato lisergico; altri sono più forzati, pretestuosi… molte scene sembrano buttate lì, sfiorate frettolosamente per passare allo sketch o alla citazione successiva…
Ciononostante, il film è tecnicamente ineccepibile (la scelta di girare in digitale si è rivelata molto azzeccata) e il cast, composto da attori giovani e semisconosciuti, molto valido (anche se ad alcuni non avrebbe fatto male frequentare una scuola di dizione). Concedetemi, in conclusione, la sparata da fanatico: Andrea Pazienza era un artista inarrivabile e la sua opera enorme, anche una proposta parziale di essa, come può essere il film di Renato De Maria, vale tutto il tempo dedicato alla sua visione, e potrebbe divenire il punto di partenza per un approfondimento. Ricordandoci che, e cito: “il vero genio non va monumentalizzato… va solo studiato”. Andrea Pazienza.

slovo

Emily Rose muore tra atroci sofferenze. Inizia così “The exorcism of Emily rose”, con Padre Moore arrestato con l’accusa di omicidio colposo perpetuato nel tentativo di esorcizzare la ragazza. Un’accusa così infamante ai danni di un membro della chiesa cattolica spinge l’arcidiocesi ad assumere la giovane Erin, considerata il miglior avvocato su piazza, per difendere, oltre al confratello, anche il buon nome della santa sede. Da qui il film si divide in due categorie ben distinte: legal-thriller, in tutte le parti processuali che compongono il proseguo delle indagini; e horror, quando i vari testimoni illustrano i propri ricordi inerenti al caso e le immagini tornano in flashback mostrando tutta l’evoluzione della possessione demoniaca di Emily. Premettendo che il legal-thriller alla “Codice d’onore” o “Erin Brockovich” è un genere che adoro, e che l’ horror che mi ha impressionano maggiormente è stato “L’esorcista”; quest’opera mi ha davvero ‘incollato’ alla sedia per tutti i 120 minuti della sua durata. La parte ‘legal’ è avvincente, la bravura degli interpreti ti porta a credere all’accusa o alla difesa in base a chi si è espresso per ultimo, ed è affascinante il modo in cui riescono a distoglierti dalle tue convinzioni mostrandoti il rovescio della medaglia. La parte horror, d’altro canto, è realizzata sapientemente, con i classici rumori improvvisi che fanno sobbalzare, e la tensione dell’imminente arrivo del maligno in ogni scena notturna. Anche la scena dell’esorcismo è molto coinvolgente… non raggiunge sicuramente il pathos che scaturisce Linda Blair che rotea la testa di 360°… ma le idee ci sono. Peccato per alcune ingenuità della trama che portano lo spettatore esperto ad attendersi alcuni avvenimenti che poi effettivamente si concretizzano sullo schermo. Questa pellicola è ispirata da una storia vera riportata anche nel libro "The Exorcism of Anneliese Michel" della Dott.ssa Felicitas Goodman, una nota antropologa… questo rende il film ancor più interessante… anche se… non mi ha fatto dormire tranquillo!

Darth

Harold è un ragazzo di diciotto anni ricco, depresso e stanco della vita. È attirato dalla morte, trascorre il tempo partecipando ai funerali di gente che non conosce e a simulare suicidi per attirare l’attenzione della madre, la quale tenta invano di presentargli delle ragazze con lo scopo di vederlo sposato. È proprio al cimitero durante un funerale che incontra Maude, una vecchietta di settantanove anni che ama la vita e che lo aiuta ad uscire dalla depressione esorcizzando quel sentimento di morte che tanto lo opprime. Tra i due nasce subito un’amicizia che sfocia in una storia d’amore e che porta Harold a decidere di voler sposare la sua compagna anche contro la volontà della sua famiglia. Ma a risolvere la controversia famigliare ci pensa Maude con un colpo di scena. Questo film, oltre a raccontarci un’ insolita storia d’amore è un inno alla libertà individuale ed è un esaltazione della diversità, vista come un punto di forza. Hal Ashby ci regala un’opera ben riuscita che merita di essere vista e che oggi si può definire tranquillamente un cult movie. Il merito però è anche dello sceneggiatore Colin Higgins che scrive una commedia capace di farci ridere ma allo stesso tempo riflettere e dalla quale ha tratto un testo teatrale ed un romanzo impossibile da trovare; io almeno non ci sono riuscito. La forza di questo film credo che sia la semplicità con cui esprime le tematiche tanto in voga negli sessanta, come la libertà, l’individualità, l’ottimismo, il rifiuto delle istituzioni, ecc. Se poi aggiungiamo la splendida colonna sonora di Cat Stevens e la buona interpretazione dei due attori principali Bud Cort (Harold) e Ruth Gordon (Maude) il risultato è sicuramente quello di un film da non perdere!

Kiriku

Inutile ribadire l’importanza nel cinema del “non parlato” o “del parlato poco”, purchè questo sia fatto bene. Quando due attori (i protagonisti) tengono la scena in maniera egregia solo con sguardi, ammiccamenti e con la loro presenza, a cui aggiungono poche ma significative battute, allora il film funziona. E funziona anche la mano del regista che gira l’intero film con la camera a spalla contenendone però il movimento in modo tale da non disturbare l’immobilità della relazione tra i due personaggi, che sembra eterna ed immutabile tra “il dire e il non dire“, tra “il fare e il non fare”, tra “l’esserci e il non esserci”. A volte si creano equilibri tali che è difficile, quando non impossibile, modificare. Il film non è un capolavoro intendiamoci, ma risulta piacevole ed interessante. Per una serata tranquilla.

nilcoxp

Un cartoon dissacrante realizzato completamente in 3D: “Terkel in trouble” è un po’ sopra le righe, ricco di battute pesanti, linguaggio volgare e violenze che non si è abituati a vedere nei film d’animazione dove il buonismo regna sempre sovrano. Terkel, il protagonista di questo movie, è un adolescente undicenne che frequenta la prima media; è il classico ragazzino pieno di paure e dubbi, con una famiglia non proprio “modello”: un padre (voce di Bisio) sempre assorto nel suo giornale che sa dire solo no, una madre (voce di Lella Costa) fumatrice incallita sempre in ansia per il figlio verso le malattie di ultima generazione (sars,antrace etc.) e una sorellina assillante che è anche leggermente sfigata. Il narratore di questa novella è il professore di musica Arne (voce di Elio), che cambia sempre mestiere in tutto il racconto, per essere sempre al seguito della storia. Vi sono anche degli altri ragazzini a fare da cornice a questo film: Jason, il suo migliore amico e i due bulletti Sten e Saki, i classici attacca brighe presenti in ogni scuola. Molto simpatico anche il personaggio dello zio di Terkel, un ubriacone che si improvvisa “telefono azzurro” (poco azzurro a dire la verità) che aiuta sempre chi è in difficoltà… a modo suo… cioè picchiando tutti. Il film ha anche dei risvolti thriller e numerosi colpi di scena. Le canzoni di “Elio e le storie tese” (e chi poteva fare da colonna sonora se no?) che spezzano il film sono veramente esilaranti, soprattutto “Banane giganti” (spettacolare). I riferimenti verso lo splatter e l’horror si sprecano con citazioni verso cimiteri, zombie e… Stanley Kubrick (sempre lui...). Peccato non essermelo potuto gustare al cinema perché è come diceva il trailer: “Disponibile non in tutti i cinema”. Da non perdersi anche gli errori cinematografici che vi sono sui titoli di coda e la pseudo-morale finale… ma quella scopritevela da soli... non posso mica dirvi tutto eh…

ninin

Dopo aver griffato tante pellicole di successo come: Thelma & Louise, Blade Runner, Black Hawk Down, Alien, solo per citarne alcuni, Ridley Scott si cimenta in questa occasione in un genere a lui nuovo: il peplum, mettendo in risalto la volontà ma soprattutto la capacità di saper raccontare i generi cinematografici più disparati. Qualità assai rara nella maggior parte dei registi contemporanei.
“Il Gladiatore” è ambientato nell’anno 180 d.C.: dopo aver vinto le ultime resistenze dei barbari germanici Massimo Decimo Meridio (Russell Crowe), intrepido generale dell’esercito romano, viene convocato dall’imperatore Marco Aurelio (Richard Harris), da sempre suo grande amico ed estimatore, il quale gli confida che desidera proclamarlo suo successore, non ritenendo all’altezza della situazione il figlio naturale Commodo (Joaquin Phoenix). Quest’ultimo, venuto a conoscenza delle intenzioni del padre, lo uccide prendendo così possesso del trono e, vistosi negare la lealtà da Massimo ne ordina l’immediata condanna a morte.
Riuscito a fuggire, Massimo fa ritorno a casa dove scopre che i soldati romani gli hanno orribilmente ucciso la moglie e il figlio. Ferito gravemente e stremato dal lungo viaggio, perde i sensi venendo così catturato da alcuni mercanti di schiavi che lo portano in Africa, dove viene venduto a Proximus, un ex schiavo ora libero, che organizza spettacoli con i gladiatori. Intanto il nuovo imperatore, per attirarsi il consenso del popolo instaura nuovamente i giochi, ignaro di dare in questo modo la possibilità all'ex comandante di vendicarsi…
Sotto il profilo delle interpretazioni si notano in maniera positiva il lavoro svolto da Russell Crowe nella parte del protagonista, peraltro vincitore del premio Oscar come miglior attore e ormai definitivamente consacrato nello star-system hollywoodiano, e quello di Joaquin Phoenix, perfetto nei panni del viscido e spocchioso imperatore Commodo. Inoltre, come si può non apprezzare la splendida scenografia e gli straordinari costumi d’epoca di Janty Yates? (anch’essa vincitrice dell’Oscar), per non parlare della magnifica colonna sonora firmata da Hans Zimmer, capace di donare alla pellicola un’atmosfera solenne specialmente nelle scene più intense.
Ridley Scott ha inoltre il grande merito di essere riuscito a girare scene di lotta notevolmente coinvolgenti, capaci di garantire quello stato di angoscia e tensione che una situazione di questo tipo comporta. Ovviamente anche “Il Gladiatore” non è immune da difetti, come le numerose analogie con un’altra pellicola molto interessante: Braveheart, e sono presenti errori di natura storica, ma ritengo che l’intenzione del regista non fosse quella di cercare la veridicità storica, bensì quella di tenere lo spettatore incollato alla poltrona. E credo ci sia riuscito in pieno!!!
Insomma, anche se non siete amanti dei film storici, non perdetevelo.

Goober 

Un pezzo metal esplode ed accompagna i titoli di coda. Che io sia dannato, proprio come gli sventurati protagonisti, se ci capisco qualcosa … Ma devo essere sincero, quella spiacevole perplessità ce l’ho avuta sin dai primissimi fotogrammi, ho solo scelto di ignorarla sperando di sbagliarmi, man mano che la pellicola volgeva verso il termine. Ma ora girano le note di produzione e l’espressione della (poca) gente in sala che si affretta ad uscire è più quella del truffato che quella del deluso.
Riavvolgo mentalmente quindi, e cerco una visuale d’insieme... quando ero più giovane ho amato molto il genere horror, ne ho vissuto i fasti (parliamo dei primi anni ’80) ed il successivo declino, vegliato sulla sua morte clinica ed infine, in tempi recenti, osservato la nuova ondata con una certa diffidenza … Ciò che ho appena visto è un anacronismo, è anticaglia in pompa magna, è come se gli sceneggiatori (Jace Anderson e Adam Gierasch) non avessero tenuto conto dell’evoluzione (o comunque del percorso) che ha avuto la narrativa horror negli ultimi due decenni, pensando o sperando che gli stilemi che funzionavano vent’anni fa potessero farlo anche ai giorni nostri. Mentre mi chiedevo come sia stato possibile distribuire o anche solo produrre un film del genere, come sia potuto succedere che il ritorno sui grandi schermi di un regista seminale come Tobe Hooper (“non aprite quella porta”, “poltergeist”) potesse rivelarsi in uno scivolone tanto clamoroso da rendere i trailers pre-spettacolo (“The Eye 3” e “Silent Hill” per la cronaca) i momenti più spaventosi della serata, uscendo dal cinema mi è sovvenuta quale poteva essere una chiave di lettura alternativa.
Ma certo… dovevo capirlo sin dalla prima scena, quando una nenia infantile introduce la storia: una famiglia si trasferisce in una desolata cittadina della provincia americana e prende alloggio in una villetta vittoriana maledetta da una storia di omicidi ed aberrazioni; tra i loculi del cimitero antistante la casa dicono si aggiri un aborto deforme … i ruoli dei personaggi fortemente polarizzati: da un lato gli adulti, inetti e reclutati dal male, quindi identificabili in esso e dall’altro gli adolescenti, perseguitati ma risoluti; e poi gli zombi, la “cosa” in fondo al pozzo, il mostro orrido ma in fondo buono, i malefici scolpiti sulle lapidi, fino all’ineluttabile trionfo delle forze del maligno suggellato negli ultimissimi metri di pellicola… “il custode” non è che un particolareggiato campionario, lungo quanto un film, degli elementi che caratterizzavano il cinema dell’orrore a cavallo tra gli anni ’70 e gli ’80. Il mio consiglio è di vederlo sotto quest’ottica, l’unica che potrebbe dispensare da un grosso disappunto... perché oltre al mero fatto che il film non spaventa ed è, per le ragioni sopra esposte prevedibile, l’esigenza di tutto questo citazionismo ha finito per piegare la sceneggiatura fino a strapparla, generando una serie di buchi nella trama piuttosto evidenti.
Sempre che io abbia dato un’interpretazione pertinente, e che tutte queste non siano solo osservazioni di un progetto involontario, “il custode” può considerarsi un originale (e perché no, simpatico) museo virtuale, in cui il cinema è usato come mezzo per documentare se stesso, che ci mostra cos’era la raffigurazione della paura un quarto di secolo fa, ovvero quel connubio di grottesco ed orrorifico meglio conosciuto come 'cinema gore’.

Un esperimento nato per creare in laboratorio i supersoldati, non ottiene l’effetto voluto, espandendo un virus che trasforma le persone contagiate in emofagi, vampiri che a loro volta trasmettono il morbo nell’intento di nutrirsi, naturalmente di sangue umano. Come nella migliore tradizione ciò da origine alla lotta per la sopravivenza di entrambe le razze. Il vicecardinale Daxus (Nick Chinlud), determinato a sterminare gli pseudovampiri crea, a seguito di studi di laboratorio l’arma per la soluzione finale. Il compito per scongiurare tale minaccia sarà affidato a Violet, il più letale degli emofagi, che dovrà rubare la valigetta contenente la temibile arma, ma durante l’esecuzione della missione, Violet trasgredisce all’ordine perentorio di non aprire per nessun motivo la valigia, scoprendone il contenuto. Ciò susciterà in Lei un conflitto interiore che la porterà a cambiare le sorti dello scontro. Il regista e sceneggiatore Kurt Wimmer, dichiara di essersi ispirato a “Gloria” (1980) di John Cassavetes, per il modello femminile di Violet, ruolo affidato a Milla Jovovich, confermata icona del genere fantasy, dopo Leloo nel “Quinto Elemento” e Alice nei 2 capitoli di “Resident Evil”, (a breve il terzo). La preparazione dell’attrice per il suo ruolo ha richiesto un anno di allenamenti, divisi tra la pratica delle arti marziali e della ginnastica ritmica, addestrata dal coreografo Mike Smith. Il film é stato girato interamente in digitale, decisione che all’inizio non era piaciuta a Wimmer per la sua complessità, ma in seguito ad una sua visita al regista George Lucas, si convinse ad usare le stesse macchine che furono utilizzate per gli ultimi tre episodi di Star Wars. Per la scelta delle location, Wimmer, si è ispirato ad un mondo futuristico, quindi niente di meglio della Cina, per la precisione Shangai e Hong Kong. Peccato che non le abbia sfruttate a dovere, le poche inquadrature esterne, sembrano sempre le stesse, come se avesse usato gli stessi pannelli per ogni sfondo. Kurt Wimmer non soddisfa, anzi diciamo pure che delude, per la mancanza di idee. Durante la visione del film ho avuto l’impressione che lo sceneggiatore abbia scopiazzato da alcune pellicole che vi cito: La presentazione iniziale, con i titoli che scorrono insieme alle immagini del fumetto di Violet (che non esiste), lo abbiamo già visto in “ Spiderman”; per i combattimenti niente da ridire, sono ben coreografati da Mike Smith, ma risultano anche troppo simili a quelli di “Matrix”; mentre, per quanto riguarda Violet, armata di tutto punto compresa di katana, é la versione di “Blade” al femminile e come lui non si ciba di sangue umano ma di un siero creato appositamente per lei dal solito scienziato che studia la risoluzione del consueto problema dei vampiri, quello di non azzannare il collo degli esseri umani. La cosa che mi lascia più perplesso è che il film ha subito un taglio di circa 30 minuti, come mai? Non si può dire che sia stato per la sua lunghezza (visto che dura solo 88 minuti), inoltre la casa produttrice (che é la stessa delle macchine usate per girare) è intervenuta sul finale, cambiandolo… il tutto a danno del film… e, come sempre, dello spettatore pagante!

Namor

Sono andato a vedere “The Sentinel” più per l’aria condizionata del cinema, che per l’interesse di un ennesimo film incentrato sul tentativo di uccidere il presidente degli Stati Uniti. Devo dire che il fresco della sala era davvero gradevole ma il film, come m'immaginavo, è il solito action-movie americano… ma andiamo per ordine: l’inizio è stato davvero tragico, con il primo quarto d’ora passato tra decine di agenti ‘macho’ dei servizi segreti che parlano in codice e inquadrature che passano da uno ‘zoom’ sugli occhiali da sole degli agenti (con il marchio ben in evidenza) a primi piani di televisori LCD sparsi ovunque, e tutti (guarda caso) della stessa casa produttrice. Stavo quasi per rinunciare alla frescura del teatro Ariston quando, per fortuna, esauriti i doveri pubblicitari, il film inizia a farsi decente. Pete Gerrison (M.Duglas) è un veterano dei servizi segreti che viene accusato di essere un delatore, e di essere in combutta con dei trafficanti per organizzare l’omicidio del presidente. Pete, incastrato con le solite prove costruite ad uopo (conti in banca ecc…), fallisce anche la prova della macchina della verità, non potendo rivelare che ha una love-story segreta con la first lady; a quel punto (altra originalità!) riesce a scappare al tentativo di cattura, e si da alla macchia, cercando di scoprire per conto suo chi è il vero traditore. Il film prosegue con inseguimenti, sparatorie e il gioco di astuzie tra Pete e il suo collega David (K.Sutherland), l’agente incaricato di arrestarlo. I dialoghi sono orrendi; la trama e il finale sono scontatissimi, senza un solo colpo di scena o una trovata originale; il traditore è il personaggio più ovvio, con la scusa più banale: “se non ci aiuti ad uccidere il presidente ti ammazziamo moglie e figlia”; l’unica cosa che riesce ad evitare al film una bocciatura totale sono le interpretazioni di M.Duglas e K.Sutherland, davvero buone; penose, invece, Eva Longoria, (sembra messa li solo per il suo fisico), e Kim Basinger nel ruolo della first lady.
Consigliato solo agli appassionati delle americanate… e a chi patisce troppo il caldo!

Darth

Giorni fa sono entrato in un negozio di dvd con l’intento di trovare un film da vedere la sera stessa e dopo una buona mezzora sono uscito con “Leningrad cowboys go America”. Il regista di questo film è “Aki Kaurismäki”,un finlandese anticonformista che mi ha colpito molto per una sua affermazione in un’ intervista: “Forse ho pensato di fare cinema perché non sono capace di nessun lavoro onesto. Camminavo ogni giorno su e giù per le vie del centro di Helsinki cercando di rimediare i soldi per bere, ma era sempre più difficile trovarne, allora ci siamo detti: cominciamo a fare film. Uno ha chiesto: su cosa? Io ho risposto: su questo schifo che è la nostra vita”. La trama di questo film rispecchia in pieno questa affermazione. I “Leningrad cowboys” sono un gruppo musicale che vive in uno sperduto paesino perso nella tundra finlandase che, consigliati da un agente, decidono di andare in America per tentare la fortuna. I componenti della band portano pettinature improbabili (hanno dei ciuffi enormi come si vede dalla locandina), e delle scarpe a punta di dimensioni incredibili. Nel loro viaggio portano con loro, legato sull’auto dentro una bara di legno, il bassista rimasto congelato per aver provato all’aperto. Questo film è in gran parte improvvisato e nonostante sia divertente e surreale è anche una critica aperta all’America. Infatti il gruppo lascia il proprio paesino sperduto per muoversi attraverso una serie di paesaggi desolati e degradati che ci descrivono molto bene quella che era la periferia americana in quegli anni. L’opera è del 1989, un periodo molto particolare della nostra storia che ha visto l’America rimanere l’unica super potenza mondiale, il suo sistema economico è stato indicato da molti come il solo in grado di dare una migliore qualità della vita. “Kaurismäki” con questo film ci mostra invece che non è sempre oro tutto quello che luccica. Un’ultima curiosità: i “Leningrad cowboys” esistono sul serio, sono un gruppo finlandese che suona un rock demenziale e che ha all’attivo una decina di album; sono conosciuti per aver suonato in diversi concerti con i costumi del coro dell’Armata Rossa e per essere apparsi in questo film. Ciao a tutti e buona visione.

Kiriku

Quello che ci aspetta in questa pellicola è un mondo futuristico popolato dai “robots”, in un’ambientazione dal sapore retrò (che piace molto ultimamente). Il film scorre piacevolmente tra un personaggio che ricorda Buster Keaton nella mimica comica (Fender), uno ispirato al “Pinocchio” di Roberto Benigni (Rodney), e situazioni divertenti e caotiche. Le citazioni cinematografiche sono talmente tante che non ve le scriverò di certo tutte (sono pigro), vi basti sapere che sono spassose. La mia scena preferita è stata quella che richiamava un vecchio gioco della mia infanzia: “L’allegro chirurgo”. Qualcuno di voi ci ha mai giocato? Fatemelo sapere per curiosità! Tornando al film, di nuovo bisogna constatare che la cattiva abitudine di usare doppiatori non professionisti continua: si guarda al nome e non alle capacità. Come è possibile che DJ Francesco doppi la voce del protagonista? E’ l’unico non competente tra gente di spessore come Carlo Valli e Francesco Vairano. E poi? Rilascia interviste come queste: “Oltre agli occhi dello stesso colore ho molto in comune con Rodney, io arrivo da un paesino, Mariano Comense, proprio come il protagonista di questo cartoon. Quando sono arrivato a Milano credevo che tutta la città fosse lì per me, ero molto ingenuo sono entrato nell'ufficio di Cecchetto che era il mio mito, come Rodney arriva da Bigweld. Ero emozionatissimo e ho cominciato a parlare a mitraglia e a dire stupidaggini per nascondere la mia agitazione…”. Il problema è che non ha mai smesso di dire stupidaggini!!! Pensate che nella versione originale i doppiatori sono: EWAN MCGREGOR (RODNEY COPPERBOTTOM), ROBIN WILLIAMS (FENDER, )HALLE BERRY (CAPPY), AMANDA BYNES (PIPER PINWHEELER), GREG KINNEAR (RATCHET), JIM BROADBENT (MADAME GASKET), MEL BROOKS (BIGWELD), JENNIFER COOLIDGE (ZIA FAN), DREW CAREY (CRANK CASEY), PAUL GIAMATTI (TIM), STANLEY TUCCI (SIG. COPPERBOTTOM), DIANNE WIEST (SIG.RA COPPERBOTTOM). Il film merita di essere visto, tratta questioni sociali serie mascherandole da gag. Ridono tutti, grandi e piccini, ma alla fine chi ride veramente sono i produttori a causa degli elevati incassi. Beati loro…

nilcoxp